“Conseguir un buen guión brillante es raro, un guión semibueno ocurre poco y un mal guión, demasiado a menudo. Como en todas las artes, la excelencia no abunda.”

Matt Mueller, periodista de Cinemanía.

ÍNDICE

1. Introducción

1. “Remakes”

· Psicosis

· Hairpray

· Abre los ojos / Vanilla Sky

1. Secuelas

· Piratas del Caribe

1. Conclusión

1. Bibliografía

INTRODUCCIÓN

El cine es considerado el séptimo arte. En la Enciclopedia Gran Espasa Universal podemos leer que el cine es un medio audiovisual analógico basado en técnicas fotográficas. Se trata de un trabajo en equipo formado por guionistas, productores, actores, equipo técnico y artístico y, por supuesto, el director.

El espectador, al ver una película, espera que se le transmitan diferentes sentimientos. Estos pueden ser de alegría o tristeza de manera que el espectador se sienta identificado con la historia y representado en los distintos personajes.

He escogido el cine como tema principal para realizar este trabajo porque me encanta ver películas. Me gustan las películas de todo tipo, superproducciones o cine independiente, comedias o thrillers. No importa de que tipo de película se trate yo casi siempre disfruto viendo cine.

En este trabajo nos vamos a centrar en dos tipos de cine concretos, los “remakes” y las secuelas.

Por un lado, encontramos los “remakes”, estos son películas que se realizan partiendo de otra película que tuvo relativamente éxito en el pasado. El “remake” puede consistir en copiar fielmente una película ya filmada o en adaptar una historia a la actualidad. La finalidad de este trabajo será analizar tres “remakes” con sus respectivas películas originales para así entender si estos “remakes” son buenos o malos. En definitiva, queremos llegar a comprender si realmente aportan algo al mundo del cine.

Actualizar distintas historias ha sido una constante en todas las épocas. Podemos destacar por ejemplo que se hayan realizado multitud de versiones de El rey Arturo. Para que el “remake” realmente aporte algo al mundo del cine, su director y su guionista deben lograr conectar la historia que quieren contar con la nueva generación a la que va destinada. Para ello no deben limitarse simplemente a copiar el original si no que deben tratar de ofrecer su visión particular de la historia. Esto será lo que se valorará en este trabajo a través de tres ejemplos; Psicosis, Hairspray y Abre los ojos.

Por otro lado, encontramos las secuelas. Según podemos leer en la Enciclopedia Gran Espasa Universal una secuela sería cualquier película producida después de otra que se desarrolla en un mismo universo, pero en un tiempo posterior. Normalmente suele contener elementos de la obra original, como escenarios y personajes aunque esto no siempre es así. El caso que vamos a estudiar es Piratas del Caribe. Esta película no fue pensada en un principio para realizar una secuela de ella sino que a raíz del éxito de la primera se decidió continuar con la historia. Por eso, valoraremos el argumento, la evolución de los personajes, la actuación de los actores… Evaluaremos si la segunda y tercera parte que completan la trilogía aportan algo a la historia.

Tras terminar este trabajo queremos llegar a posicionarnos respecto de si son o no necesarios los “remakes” y las secuelas.

Para documentarme le hice una entrevista a Javier García, ex-director del programa sobre cine Cartelera en TVE.

“REMAKES”

En Hollywood se realizan “remakes” continuamente. A veces el director que rueda el “remake” es el mismo que rodó la película original como es el caso de Hitchcock. En 1934 dirigió El hombre que sabía demasiado y más tarde dirigiría un “remake” del mismo título en 1956. ¿Y para qué se realizan estos “remakes”? Tenemos varias respuestas alternativas. Por ejemplo, en el caso anteriormente mencionado Hitchcock lo realizó para mejorar y a su vez revisar la película. En su caso el “remake” supera la calidad de la película original. También cabe mencionar Río Bravo de Howard Hawks. La original se rodaría en 1959 y posteriormente realizaría un “remake” El dorado en 1966. En este caso también igualaría la calidad de la original. Además existen razones económicas. Cuando una película ha funcionado en taquilla resulta atractivo para los productores realizar un “remake” pues tienen casi asegurado el éxito. Además los medios con los que contamos actualmente son mucho más avanzados que hace diez años por lo que películas de ciencia ficción realizadas en los años 50 ahora tienen la oportunidad de utilizar una avanzada técnica audiovisual que atraerá mucho más a los espectadores. Por ejemplo ese es el caso de Ultimatum a la tierra estrenada en 2008, “remake” de la película de serie B de 1951. En general, todos los medios de los que necesita una película han avanzado por lo que muchos “remakes” se apoyan en eso para justificar su realización.

PSICOSIS

Psicosis (Psycho, 1960)

Director: Alfred Hitchcock.

Guión: Joseph Stefano.

Novela: Robert Bloch.

Actores: Anthony Perkins, Vera Miles, Janet Leigh, John Gavin…

Duración: 109 minutos.

Psicosis (Psycho, 1988)

Director: Gus Van Sant.

Guión: Joseph Stefano.

Novela: Robert Bloch.

Actores: Vince Vaugh, Anne Heche, Julianne Moore, Viggo Mortensen…

Duración: 105 minutos.

Cuando le pregunté a Javier su opinión sobre la película original de Psicosis me dijo que no solo es buena, sino que es mejor. Desde que en 1960 Alfres Hitchcock rodará Psicosis se ha convertido en una película de culto dentro del género del terror. La unión de varios factores como el actor protagonista Anthony Perkins, la dirección de Hitchcock y la fantástica historia de misterio harían de Psicosis lo que es ahora, un mito cinematográfico. Ambas películas, original y su “remake”, están basadas en la novela de Robert Block publicada en 1959. El guión es exactamente el mismo, escrito por Joseph Stefano en el que a pesas podemos notar diferencias conforme transcurre la película. El “remake” está dirigido por Gus Van Sant que recientemente ha saltado a la fama por haber dirigido Mi nombre es Harvey Milk que triunfó en los últimos Premios de la Academia llevándose el Oscar al mejor actor por Sean Penn y nominada a 7 Oscar entre ellos el de mejor película y mejor director.

El “remake” es una copia casi escena por escena de la original. Si no existiera la película original el “remake” lo podríamos considerar entretenido y con un reparto muy sólido. Simplemente se trata de una operación de marketing de un estudio cinematográfico que les salió mal. Al ser una copia escena por escena no aporta nada al espectador y no actualiza la historia a la actualidad.

Hitchcock realiza un de sus mejores trabajos con Psicosis. Se le considera un genio por su sentido del ritmo, su forma de dosificar la información de forma que el espectador sepa más o menos para crear suspense, la forma de planificar y de acelerar o ralentizar las acciones para crear tensión, todas estas técnicas ya son legendarias. Por ejemplo, todo eso lo podemos ver reflejado en la magistral escena de la ducha que tan famosa se ha hecho. Los planos son extremadamente cortos y la secuencia es de corta duración por lo tanto hace que resulte más impactante, y a su vez más violento de lo que las imágenes presentarían por si solas. Si a esta escena le unimos la fantástica banda sonora tenemos la escena perfecta. El chirriar de los violines, violas y violoncelos fueron una pieza original de Bernard Herrman titulado El asesinato.

Sin duda es una película fantástica con un reparto de lujo y uno de los mejores directores. Por supuesto el “remake” no tiene nada que hacer frente a esto. Claramente prefiero la película original al “remake”.

HAIRSPRAY

Hairspray (1988)

Director: John Waters.

Guión: John Waters.

Actores: Divine, Deborah Harry, Jerry Stiller, Michael St. Gerard, Ricki Lake…

Duración: 92 minutos.

Hairspray (2007)

Director: Adam Shankman.

Guión original: John Waters.

Guiñon adaptado: Leslie Dixon.

Música: Mark O’Donell y Thomas Meehan.

Actores: John Travolta, Michelle Pfeiffer, Chirstopher Walken, Nikki Blonsky …

Duración: 117 minutos.

Para continuar con este análisis de “remakes” estudiaremos Hairspray. La película original se rodó en 1988 en manos de Johh Waters. Se trata de una comedia underground. A pesar de que su “remake” es un musical, la original no lo es realmente. La película tiene mucha música pero este se debe a que trata de un programa musical de la televisión. Probablemente al ver la película ahora podemos pensar que es un tanto extraña pues tiene una apariencia rara. Esto se debe a que su director John Waters siempre ha hecho un tipo de cine muy característico alejado del cine comercial de Hollywood. En Hairspray lo que más busca en el espectador es provocarlo y a su vez es muy divertida. Se trata de una comedia que se podía definir como ácida, pies tiene un tono muy distinto al resto de las comedias fáciles a las que estamos acostumbrados. Debido a este tono tan característico todas sus películas se han convertido en películas de culto. Entre ellas podemos destacar Cry Baby: El lágrima protagonizada por Johnny Depp en 1990 o Polyster de 1981. El director ha intentado sacar todo lo que esconde la sociedad de los años 50, además recrea esos años de una forma un tanto paródica.

Ahora cambiamos al “remake” que al tratarse de un musical hace una película totalmente distinta. Mediante las canciones se enriquece la historia que ya se contó en 1988. La película original centraba su argumento en ridiculizar y a su vez ironizar aspectos de la sociedad de los años 50. Por ejemplo la familia media americana con el deseo de aparentar que tiene más dinero que el que realmente posee, el impacto que tiene la televisión en los jóvenes, cómo los hace cambiar y tomar decisiones incorrectas y, por último, el deseo de los jóvenes de sentirse integrados en un grupo social, como le ocurre a la protagonista Tracy. La sociedad que nos presenta es aparentemente idílica que se niega a aceptar que el mundo está cambiando. Podemos apreciar el tema de la segregación de los negros que debían vivir alejados de los blancos.

Tampoco se aceptaba a los gordos que podríamos decir que es el tema principal de la película pues Tracy es una adolescente bastante gorda a la que le gusta el baile y le encantaría formar parte del cuerpo de baile de su programa favorito El show de Corny Collins. Cuando tiene la oportunidad de presentarse a una prueba para el programa no lo duda a pesar de que su madre se encuentre totalmente en contra. En un principio Tracy no es apoyada por su madre pues piensa que le van a hacer daño por ser gorda y la van a ridiculizar. La joven es una chica feliz, sin complejos, risueña y dispuesta a luchar para conseguir su sueño. Tiene un gran talento para el baile por lo que rápidamente es acogida como una nueva bailarina en el programa. En todo momento vemos una película que nos hace reír y que es rápida. No te da tiempo a aburrirte.

Los repartos en ambas películas son simplemente geniales; cuando se rodó la original ninguno de los actores era muy conocido salvo Divine, el hombre que interpreta a la madre de Tracy. Pero, a pesar de ser novatos, todos bordan sus actuaciones. Esta es una gran diferencia con respecto al “remake”, donde el reparto está compuesto por caras conocidas y habituales del cine hollywoodenses salvo Tracy, papel interpretado por Nikki Blonsky, para quien es su primera película. En el reparto encontramos a John Travolta que vuelve al género musical. Interpreta a Edna, madre de Tracy y de él solo se puede decir que borda el papel. Sí es verdad que no se luce demasiado cantando pues debe forzar mucho la voz para parecer una señora, pero aun así sus apariciones en pantalla son espectaculares. Su marido en la facción es Christopher Walken que aporta su carisma y su sentido del humor cada vez que aparece. También nos encontramos con Michelle Pfeiffer en el papel de mala, productora de El show de Corny Collins que no quiere a Tracy en la televisión por celos, ya que puede desbancar a su hija en el concurso adolescente Miss Laca Adolescente. Tras el fracaso de Grease 2 Pfeiffer vuelve a cantar en la gran pantalla demostrando que es una actriz fantástica con una muy buena voz. Queen Latifah aparece como la máxima representante del colectivo negro de Baltimore haciendo una actuación estupenda y sobre todo bordando cada una de las canciones que interpreta. Al frente del show de televisión tenemos a James Marsden interpretando a Corny Collins. Es el actor que más sorprende pues tras verlo de superhéroe en la trilogía X Men aparece en Hairspray cantando y bailando como si toda su vida se hubiera dedicado a ello. Sin duda uno de las mejores actuaciones de la película aunque apenas se luce pues su personaje aparece muy poco.

Dentro del reparto juvenil nos encontramos con el nuevo ídolo adolescente Zac Efron que ha alcanzado la fama con la trilogía High School Musical. Por supuesto interpreta el papel de guaperas del programa del baile y del instituto del que que Tracy está locamente enamorada. También encontramos a Amanda Bynes habitual en comedias juveniles que nos sorprende con su lado más musical hasta entonces desconocido. En la misma línea aparece Brittany Snow interpretando el papel de mala en contra de Tracy y nuevamente sorprendiendo cada vez que interpreta una canción. Por último, tenemos a la protagonista absoluta, Nikki Blonsky. Es el personaje que más alegría y vitalidad transmite a la película. Su actuación puede que sea lo mejor de la película pues marca el ritmo de una forma que no puedes aburrirte.

Otra de las cosas que más destacan son las coreografías. Sin llegar a ser espectaculares los actores y bailarines las bailan perfectamente bien cronometradas y sincronizadas que aparentan más de lo que son. La película tiene muchas canciones que marcan un ritmo muy rápido. Simplemente la primera canción con la que se inicia la película ya te asegura que va a ser entretenida e inocente. La música es genial, uno de los puntos fuertes de la película.

Para finalizar este apartado podríamos decir que la película aporta mucho por todo lo que transmite al espectador. La original nos llega a transmitir esa alegría y ganas de vivir la vida como lo transmite el “remake” que desde la primera escena te hace sonreír. La película te deja con ganas de más por lo que ya están preparando Hairspray 2.

ABRE LOS OJOS / VANILLA SKY

Abre los ojos (1997)

Director: Alejandro Amenábar.

Guión: Alejandro Amenábar y Mateo Gil.

Actores: Eduardo Noriega, Penélope Cruz, Fele Martínez, Chete Lera, Najwa Nimri …

Duración: 117 minutos.

Vanilla Sky (2001)

Director: Cameron Crowe.

Guión original: Alejandro Amenábar y Mateo Gil.

Guión adaptado: Cameron Crowe.

Actores: Tom Cruise, Penélope Cruz,, Jason Lee, Kurt Russell, Cameron Diaz …

Duración: 136 minutos.

Los “remakes” también traspasan fronteras como es el caso del que vamos a hablar ahora. Alejandro Amenábar, un joven director español, escribe y dirige Abre los ojos, su segundo gran éxito en 1997. En Estados Unidos Tom Cruise ve dicha película e inmediatamente se pone en contacto con Alejandro Amenábar: quiere comprar los derechos y realizar la misma película en Hollywood y protagonizarla él mismo.

Amenábar escribió el guión tras unas pesadillas que tuvo. Es una fascinante mezcla de fantasía, intriga y drama. En un principio puede parecernos pretensiosa y confusa, pero poco a poco va desvelando y aclarando la paranoia que sufre el protagonista entre ficción y realidad, entre lo que es verdad y lo que solo es apariencia. La película también trata cómo la apariencia física es un factor importante en la sociedad. Juntar todos estos factores hacen de la película una apuesta arriesgada que finalmente consigue llevar a un final que no me termina de convencer. La historia da tantos giros que posiblemente son los culpables de que la historia tenga un menor impacto en el espectador. Por supuesto hay que entender que esta película está dentro del cine de género que antes se hacía en España, por lo tanto está muy alejado del típico cine que ahora se hace. Aun así en director consiguió hacer un thriller alejado de los dramas sociales que normalmente matan. Creo que eso fue lo que hizo que el público conectara y tuviera un gran éxito.

Eduardo Noriega tiene el papel protagonistas pero lo interpreta de una forma muy limitada al no tener demasiada experiencia. Aun así su físico queda muy bien pues interpreta a un atractivo joven adinerado y logra defender el personaje. En el “remake” nos encontramos a Tom Cruise que también es un actor limitado. No llega a interpretar al personaje con la fuerza que necesitaría. Contaba con mucha experiencia pero aun así limita mucho al personaje lo que convierte a Vanilla Sky en una película muy floja. Para haber sido mejor, el actor principal debía de haber sido alguien con mucha más fuerza, capaz de resolver las crisis dramáticas que se le plantean al personaje.

Como secundaria encontramos a Penélope Cruz en ambas películas. Es una chica a la que César, el personaje protagonista intenta seducir. En ninguna de las películas los directores logran sacar lo mejor de ella. Amenábar es un buen director pero no consigue sacar la fuerza que necesita la interpretación de Penélope Cruz que si consigue, por ejemplo, Almodóvar. Tampoco se podría haber sacado mucho pues su personaje es una chica buena, y en la versión americana ocurre lo mismo, no consigue sacar lo mejor de ella. Además el “remake” es en inglés, que al menos es esa época no era unos de los fuertes de Penélope Cruz.

Respecto a los personajes secundarios creo que son mucho mejores en Vanilla Sky salvo una excepción. En el “remake” Cameron Diaz hace el papel de Nuria, la chica que acosa a César. En la original es Nawja Nimri una actor mucho menos conocida y con menos experiencia que Cameron Diaz, que aun así se convierte, creo yo, en el mejor personaje de la película. La interpretación de Nawja Nimri tiene mucha más fuerza y rabia, lo que la hace más temible y da más miedo. A pesar del nivel tan bajo que en general tienen los secundarios en Abre los ojos, Amenábar consigue una película mucho mejor y además con menos medios.

A parte Vanilla Sky fue dirigida por Cameron Crowe, un director nada interesante que no sabe cómo enganchar a un espectador a una película. Lo único destacable del director es que ganó un Oscar por el guión de Casi famosos porque el resto de su carrera han sido fracasos.

El director fracasó intentando llevarse la película a su terreno personal pues posiblemente hubiera sido mejor copiar a raja tabla la película original.

Ambas películas están dirigidas a un determinado grupo de espectadores que si no se deja embaucar por ese gran rompecabezas que escribió Amenábar, seguramente se pasará la película bostezando. Durante la primera media hora apenas ocurre nada, es muy lenta. En el “remake” se han añadido cosas por ejemplo el Consejo de los siete enanitos que ayudan a David a dirigir la empresa que sus padres le dejaron. David es el nombre que recibe César en la versión americana. Sin embargo otras partes de la película son copias exactas de la original, tanto diálogos como lo encuadres de las escenas. A pesar de que Cameron Crowe adaptó el guión original no cambia en absoluto, lo dos logran poco a poco retorcer la historia y que hace romper las expectativas que el espectador se había hecho. Los sueños y la realidad se entrecruzan llegando a unos límites inimaginables.

Como conclusión el “remake” de Abre los ojos solo está recomendado para aquellos que no vieron la original pues se trata de una copia con otros actores y otra música. No logra superar a la original pues en la nueva versión es más difícil conectarse a la historia y esto es algo vital para que una película funciones.

SECUELAS

En Hollywood se buscan soluciones para sacar provecho de cualquier película que tenga un éxito considerable. Si antes hablamos de la copiar o volver a hacer una película ya rodada ahora hablaremos de las secuelas.

Hay películas que ya se conciben como proyectos que con la primera película estarían incompletas y necesitarían de otra película para poder comprender la historia. Dentro de este grupo tendríamos las taquilleras películas de El señor de los anillos o Star Wars. Ambas series se encuentran incompletas con solo una parte. El señor de los anillos necesita de sus tres películas para entender toda la película pues el final de todas las tramas lo encontramos en El retorno del rey, la tercera película. Es una gran saga a destacar pues hizo que se recuperaran la épica en el cine adaptando además un libro muy difícil de una forma muy fiel.

Otras películas dependiendo del éxito de la primera parte se continúa o no con la historia. Son las llamadas secuelas. Suelen ser continuaciones desarrolladas en el mismo universo, por ejemplo Spiderman se desarrolla siempre en Nueva York, y que ocurren en un tiempo posterior. Para los estudios de Hollywood es mucho más seguro usar elementos de una obra que ya es un éxito que arriesgarse con nuevas historias y personajes. En estos casos como a la historia se le pone un punto y final en la primera película hace falta un buen guión y una nueva historia que no perjudique el recuerdo de la primera película. Por ejemplo tenemos Matrix y sus dos secuelas. Los guionistas y directores aseguran que desde un principio Matrix iba a contar con tres películas pero lo cierto es que la segunda y la tercera son muy malas lo que perjudica al recuerdo de la primera que fue realmente buena. Otro ejemplo es el que vamos a analizar a continuación; Piratas del Caribe.

PIRATAS DEL CARIBE

Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (Pirates of the Caribbean: The curse of the Black Peral, 2003)

Director: Gore Verbinski.

Historia y guión: Ted Elliott y Terry Rossio.

Actores: Johnny Depp, Geoffrey Rush, Orlando Bloom, Keria Knightley, Jack Davenport…

Duración: 143 minutos.

Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto (Pirates of the Caribbean: Dead man’s chest, 2006)

Director: Gore Verbinski.

Historia y guión: Ted Elliott y Terry Rossio.

Actores: Johnny Depp, Bill Nighy, Orlando Bloom, Keria Knightley, Jack Davenport, Stellan Skarsgård…

Duración: 151 minutos.

Piratas del Caribe: En el fin del mundo (Pirates of the Caribbean: At world’s end, 2007)

Director: Gore Verbinski.

Historia y guión: Ted Elliott y Terry Rossio.

Actores: Johnny Depp, Bill Nighy, Geoffrey Rush, Orlando Bloom, Keria Knightley, Jack Davenport, Stellan Skarsgård…

Duración: 169 minutos.

Desde un principio los estudios hollywoodenses pusieron obstáculos para que no se le diera luz verde al proyecto, pues una película sobre piratas era un proyecto muy arriesgado. En los años 90 se realizaron dos grandes proyectos cinematográficos con la temática de los piratas y ambas fueron un rotundo fracaso. Con esos antecedentes a Jerry Bruckheimer le iba a resultar difícil sacar adelante. Finalmente logró que Walt Disney Pictures se interesara en el proyecto. En un primer momento la película estaba concebida como una sola pero el argumento se dejaría de una forma que se pudiese continuar en casa de que fuera posible continuar la historia a causa del éxito. La recaudación que cosechó en todo el mundo y el interés despertado en los espectadores hizo posible la continuación con dos películas que re rodarían simultáneamente para ahorrarse gastos de producción. Cada una de las películas tiene su determinado subtítulo que resume el tema principal de cada entrega.

Empezamos por Piratas del Caribe: La maldición de la perla negra. He leído varias críticas sobre esta primera película y la visión que me dan es que Johnny Depp, el protagonista, que interpreta al Capitan Jack Sparrow, sobreactua. Desprecian su actuación cuando yo creo que es el punto fuerte de la película. Ya había interpretado personajes extraños y curiosos como el conocido Eduardo Manostijeras y el escéptico director Ed Wood, ambas dirigidas por Tim Burton. Todos ellos recibieron crítivas positivas y el primero supuso un grandísimo éxito y reconocimiento internacional que dio a conocer a Johnny Depp a gran parte de los espectadores. Además tenemos que mencionar la famosa Sleepy Hollow también dirigida por Tim Burton. Todos eran personajes tenebrosos y marginados. Sin duda Johnny Depp se supera una vez más con este nuevo personaje. Yo lo clasificaría simplemente brillante. Consigue hacer un personaje excéntrico pero que a su vez cae simpático. Se dedica a buscarse la vida centrándose en sus intereses pero en el fondo apreciamos que es noble.

Parte del éxito de la película se debe al gran reparto que la forman. El malo de la película, el capitán Barbosa, es interpretado por Geoffrey Rush que borda el papel. Por supuesto la pareja secundaria formada por Orlando Bloom y Keira Knightley pone el toque romántico a la película. Él interpreta el papel de Hill Turner, un joven apuesto y bien educado que está en contra de cualquier persona que viole la ley como los piratas. Ella es Elizabeth Swan, joven hija del gobernador que no es tan buena e inocente como aparenta ser.

Todas estas magníficas actuaciones unidas a una campaña de marketing y publicidad espectacular hicieron que Piratas del Caribe recaudara 654 millones mundialmente. Esto la ha posicionado actualmente en la película número 33 que más ha recaudado en la historia del cine. Disney y Jerry Bruckheimer contaron con un desahogado presupuesto, 140 millones de dolares lo que permitió poder recrear todo lujo de detalles en la complicada ambientación de la película.

Al frente de este proyecto nos encontramos con el director Gore Verbinski que dirigirá las tres películas. Ya contaba con éxitos en su carrera como The ring y The mexican protagonizada por Brad Pitt y Julia Roberts. Este director va a conseguir una estupenda película perfecta para el verano cuyo único objetivo es hacer pasar el buen rato al espectador.

Por otra parte la introducción de Disney en el proyecto aportará un tono suave a la película, no se verán duelos sangrientos y una comicidad que los críticos de la revista Acción han tachado de negativo. Yo sin embargo creo que el control que ha puesto Disney para convertirla en una película para todas las edades es algo positivo y bueno que ha ayudado a que el resultado final fuera mejor. Si bien es verdad que la primera película reúne en su trama casi todos los tópicos que el público espera ver en una película de este tipo, pero también es verdad que transmite diversión y entretenimiento durante casi toda la cinta. También podemos apreciar momentos cómicos que intentan aliviar la tensión de determinadas escenas. Por supuesto se incluyen varios enfrentamientos en alta mas que harán la delicia del espectador pues son espectaculares al igual que la aparición de los piratas malditos convertidos en esqueletos.

La película termina con un final feliz, el protagonista consigue su objetivo, la Perla Negra, el malo muere y la pareja de enamorados termina junta y feliz.

Al poco tiempo del estrenos se anunciaba que Piratas del Caribe contaría con dos secuelas rodadas simultáneamente. En un primer momento pensé que se convertirían en un fracaso pues la primera película había dejado el listón muy alto cuando nadie se lo esperaba. Si no se realizaban con cuidado podrían suponer un auténtico desastre cinematográfico. Era necesaria una buena historia y nuevos personajes que al menos igualaran al magnífico capitán Barbosa.

La segunda parte El cofre del hombre muerto tiene como principal atractivo la aparición de Davy Jones, el capitán del Holandés Errante. Es el malo de los malos y el capitán de los capitanes. Controla todo el mar con un monstruo que solo el puede controlar. A pesar de contar con Billy Night que borda el papel de Davy Jones y la utilización de unos efectos especiales espectaculares que le valieron para llevarse un Oscar en 2006, la película no consigue la fuerza necesaria. Los personajes siguen siendo los mismos y puede que ahí este el problema. A Johnny Depp lo vemos interpretar al capitán Jack Sparrow igual que en la primera película. En las entrevistas realizadas para promocionar la película Johnny Depp afirma que su personaje madura y se vuelve más serio en esta segunda parte. Después de haber visto la película no estoy de acuerdo con esa afirmación. Solo podemos destacas el hecho de que al final de la película por fin demuestra que es noble y da su vida por salvar a todos sus compañeros. Exceptuando eso no se puede apreciar una evolución. Cambiamos de personaje. Elizabeth Swan tampoco progresa con respecto a la primera película lo que es una lástima. Al único personaje que vemos cambiado es el de Orlando Bloom, William Turner. Posiblemente esto se deba a que en esta segunda parte conocerá a su padre al que daba por muerto desde hace años. Vemos como es más maduro y como a la vez cambia para poder ayudar a sus amigos piratas. Deja a un lado su lado más formal y recto. Su romance con la señorita Elizabeth sufre un fuerte golpe. Al menos en esta película no conseguirán superarlo.

La película es demasiado larga y posee un ritmo ritmo irregular. Nos encontramos con fragmentos muy intensos frente a otros que podrían haberse acortado pues no aportan nada a la historia. Aparecen personajes sin ningún interés junto con otros que podrían haber brillado en la película pero a los cuales no se les da el suficiente tiempo en pantalla para hacerlo. Creo que el mayor fallo que comete Gore Verbinski es desaprovechar al nuevo villano, Davy Jones que podría haber dado mucho más de si y también no utilizar la nueva relación entre Will Turner y su padre Hill.

Como de costumbre lo mejor son los efectos especiales que ya hemos mencionado anteriormente.

Esta segunda parte acaba de una forma inesperada. Esto se debe a que de esta forma se prepara el terreno para la tercera película En el fin del mundo. El final de la segunda parte nos sorprende con la muerte del capitán Jack Sparrow al ser devorado por el monstruo de Davy Jones y por la aparición totalmente inesperada de un resucitado Barbosa. En esta última entrega el objetivo es conseguir llegar al fin del mundo donde están los muertos para poder resucitar a Jack Sparrow. Si la segunda película no contenía apenas e espíritu que tuvo la primera cinta, esta última entrega si rescatará parte es ese espíritu. Si bien la película es demasiado larga, casi tres horas, y el guión resulta demasiado recargado, al menos se consigue un desarrollo que distribuye la espectacularidad y los puntos fuertes de la historia.

La primera parte de la película cuando se encuentran en el Reino de los Muertos contiene algunos de los momentos más imaginativos y bonitos de la serie. Esa parte casi parece una película en si misma. Tras esto vuelven al mundo real y comienzan a aparecer nuevas tramas que se acumulan, muchas de ellas innecesarias. Esto nos hace pensar que se va a repetir la experiencia de la segunda parte, donde la mayoría de las historias sobraban, pero no llegará a darse el caso. Nos encontramos con una acción continua. No se aprecian apenas puntos flojos en la historia y los que hay no los percibimos del todo pues hay demasiados enfrentamientos y batallas. Estas brillan por la calidad de sus efectos especiales que superan a los de sus antecesoras.

Respecto a los personajes solo hay destacable la aparición de un nuevo villano Sao Feng interpretado por Chow Yun Fat. Aparece muy poco y es una lástima porque habría sido un gran personaje que además está fantásticamente interpretado. Johnny Depp sigue interpretando igual y el personaje apenas evoluciona. La pareja aparece menos cargante de lo habitual. En esta última película se reconcilian, se casan y tienen un hijo.

Puede que en otros casos la historia de una determinada película de para realizar secuelas pero el caso de Piratas del Caribe no es así. Sus secuelas se dedican a sacar historias y enredarlas tontamente y sin ningún sentido. Sin duda me quedo con la primera, pues es la única realmente buena. Sus personajes, su argumento y su acción hacen de Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra una película que no defraudará a nadie.

CONCLUSIÓN

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De los tres "remakes" que hemos analizado solo considero bueno, por superar en calidad a la película original el "remake" de Hairspray. Por lo tanto al hacer balance con la información obtenida y mi propia opinión me posiciono en contra de los “remakes”. Es verdad que un gran número de películas que se han rodado últimamente han sido “remakes” y a pesar de contar con grandes efectos especiales y actores no consiguen superar a las películas originales. Para que los espectadores no se den cuenta de que se tratan de “remakes” los estudios compran los derechos de las películas originales. De esta forma tienen cierta seguridad que no van a salir a la luz y así vender el “remake” como una nueva película.

Respecto a las secuelas, estas hacen mejor taquilla que las películas que no son secuelas, además cuanta más distancia en fecha de estreno mejor taquilla, pero sin superar la original. Esta afirmación solía ser cierta pero últimamente las grandes superproducciones de la que se realizan secuelas están consiguiendo mejores taquillas. Esto ha causado que los estudios cinematográficos prefieran producir secuelas en vez de nueva películas. Como he dicho antes las últimas secuelas han superado en taquilla a sus primeras películas como es el caso de La Búsqueda 2: El diario secreto que ha pesar de que la primera película ya era fantástica, con historia muy buena, esta segunda parte ha conseguido superarla. Por lo tanto después de analizar la serie de Piratas del Caribe creo que mi opinión respecto a las secuelas es esta: cuando una película consiga un gran éxito solo se debe hacer una secuela en el caso de que el guión de esta sea dos o tres veces mejor que la primera película. Esta afirmación claramente no se cumple dentro de la serie de Piratas del Caribe, y es una lástima porque el gran sabor de boca que dejó la primera cinta ha desaparecido tras ver sus dos secuelas.

BIBLIOGRAFÍA

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Revistas cinematográficas: Acción, Fotogramas y Cinemanía.

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http://www.hoycinema.com/criticas/Piratas-del-caribe-fin-del-mundo-2007/1097.htm

La conferencia se centró en el amor en Roma a raíz de lo que Catulo escribió. Veía el amor de una forma muy parecida a nosotros. Esta siempre ha hablado de los tormentos del amor pues habla de la propia vida, de nuestras experiencias.

En tiempos de Julio Cesar, los romanos se casaban por sus intereses. Eran los padres los que realizaban las uniones que tenían un valor político y no se encontraba relacionado con los sentimientos. Estos debían ser mostrados solamente en privado. Esto es totalmente contrario a la actualidad donde siempre suelen ser públicos. En la antigua roma las mujeres debían rechazar los placeres como la comida, la bebida o el sexo. Las relaciones se regían por una jerarquía en la cual el hombre sustentaba el poder. Por ejemplo, en las relaciones sexuales solo el hombre podía disfrutar mientras la mujer debía mostrarse pasiva. Si en algún momento el hombre se enamoraba era inmediatamente considerado inferior. Catulo escribirá que el hombre y la mujer son iguales. En ese momento las mujeres se dan cuentan de que pueden dejar de ser vulgares prostitutas y convertirse en mujeres sofisticadas, cortesanas… Se sienten estafadas por la educación que han recibido. Por supuesto el momento en el que comiencen a disfrutar de la vida se convertirá en un gran escándalo.

Dejando de lado la sociedad en Roma volvemos a la vida de Catulo. Nacido en Verona procedía de una familia adinerada pues durante más de 500 años los varones de su familia habían sido cónsules, que en la actualidad sería el puesto del presidente del gobierno. Se enamorará de Clodia a una edad muy temprana. Se translada a Roma, pues quería ser poeta, dedicarse simplemente al amor y la amistad. Esta profesión carecía de importante y se le consideraba un degenerado. Acaba suicidándose a los 30 años por amor. Él quería una relación de igualdad pero su amaba simplemente esperaba sexo.

En sus poemas explica el amor como el cielo pero que a su vez puede ser el infierno. Será el primer poeta en escribir sobre lo importante en la vida, el amor, el pasar un rato con sus amigos, el amor, el propio individuo…

Una conferencia magistral donde una vez más tuvimos la oportunidad de apreciar el gran potencial que posee Xurxo Regueira para explicarnos la historia de la antigua Roma y a la vez divertirnos.

El pasado día 12 tuvimos la oportunidad mis compañeros y yo de asistir a lo que en principio iba a ser una conferencia sobre la escritura de Heinz Delam. Digo en principio porque finalmente se convirtió en una entrevista realizada por los asistentes. Esto se debe, según nos contó el propio escritor, a que encuentra más fascinante que los propios lectores le preguntemos sobre su literatura en vez de que él seleccione un tema y lo desarrolle.

Nos habló sobre su experiencia escribiendo, describiéndola como “un trabajo muy personal y solitario”. No tiene ningún método para escribir, simplemente elije una idea inicial fuerte y emotiva en la que haya algo que contar y la desarrolla durante meses. Normalmente durante el transcurso de la escritura no sabe como va a acabar su historia por lo que convierte la escritura en una aventura. Para Heinz Delam la literatura es poco la magia. Con unas cuantas hojas puedes sumergirte e imaginarte cualquier lugar y todo tipo de personajes.

Gran parte de su obra literaria gira entorno a África, pues allí vivió durante diez años. Habitó en el Congo donde apenas escriben, pues todo se mantiene mediante la tradición oral. Tenían creencias ancestrales y los brujos aseguraban poder usar la magia. Nos explicó que no escribe por el hecho de haber vivido en África, sino porque su familia siempre ha sido muy lectora. El escribir sobre la cultura africana se debe a que le fascina por ser tan diferente al resto. Los brujos realizan la magia como si de arte se tratara. La puesta en escena es realmente buena según nos cuenta el propio escritor. La magia que usan es la que todos los seres humanos tenemos pues como explica Heinz Delam en uno de sus libros “la magia existe cuando crees en ella”.

Todas sus vivencias en el Congo le han ayudado tanto que algunos de sus personajes son personas reales que conoció allí. Otros personajes han sido inventados pero de tal manera que en ocasiones pueden llegar a confundir al lector.

Del mismo modo algunas de las historias de su libro las ha vivido el mismo. Esa mezcla de la realidad y la fantasía es uno de los aspectos más atractivos de sus novelas, pues nunca llegas a descubrir si el propio escritor es a su vez el protagonista de sus novelas.

Nos encontramos inversos en la redacción de nuestro propio periódico por lo que estamos leyendo el suplemento que nos proporciona El País. Uno de los artículos que nos ha llamado la atención ha sido la entrevista que le realizaron sobre su vida y el tenis que es el deporte que practica. A continuación os presentamos a Carla Suárez.

Carla Suárez es una de las futuras estrellas del tenis. Con solo 20 años ya es semifinalista en los “Campeonatos de Australia”.

Es una joven de mediana altura y un peso equilibrado pues debe mantenerse en forma. Lleva el pelo corto, y lo tiene rizado y castaño. Es una chica lista e interesada en tener un buen conocimiento del mundo. Ha realizado la selectividad ya que la educación es importante para ella.

Su vida la ha ido enfocando según los distintos libros que ha leído como “Saber perder” de David Trueba y “La sombra del viento” ha pesar de no considerarse una lectora compulsiva. Yo aún no he tenido la ocasión de leerme esos libros pero me he leído hace poco el archivendido “El niño con el pijama de rayas” del que he podido aprender que las descriminaciones jamás han sido buenas.

Carla se considera una “gandula” a la que debe obligar su madre a recoger su cuarto. También es reflexiva y tranquila por lo que no le gustan las grandes multitudes como las que se encuentró cuando viajó a China.

El sistema español necesita un lavado de cara muy en profundidad, pues esto no hace más que empeorar.

‘‘Cada cineasta tiene sus colores, como un pintor. Yo cuento lo que me gusta. ’’ Dijo Billy Wilder. Se le conoce como el maestro de la comedia americana. Y no es para menos pues ha trabajado con todas las estrellas del mejor Hollywood y ha estado nominado doce veces a los Oscars de los cuales ganó seis. Entre sus comedias de mayor éxito encontramos Con faldas y a lo loco. También desarrolló otros géneros como el cine negro, el melodrama e incluso realizó experimentos argumentales. Muchas de las escenas de sus películas en grandes mitos del cine e incluso en iconos de una época, como es la famosa escena de Marilyn Monroe en la calle con las faldas subidas como aparece en la película La tentación vive arriba.

Metiéndonos en el Hollywood clásico podemos encontrar grandes estrellas de la dirección como Howard Hawks, John Ford y Frank Capra, pero también podemos descubrir grandes obras maestras no tan conocidas por el público como Yo creo en ti protagonizada por James Stewart. Su director fue Henry Hathaway que se especializó en el western y en el thriller trabajando con las mejores estrellas de Hollywood como Marilyn Monroe, Henry Fonda o Dean Martin entre otras. Avanzando un poco en la línea de tiempo nos encontramos con el director franco-británico Roland Joffé que dirigió la famosa cinta La misión protagonizada por Jeremy Irons.

Como explica la famosa cita, a veces el bosque no deja ver los árboles, por lo que cabe destacar otros grandes nombres como Ben Hecht y Charles MacArthur responsables del guión de Primera Plana con la magnífica Susan Sarandon en el reparto entre otros.

Título: Riot! (Disturbios)
Año de producción: 2007
Nº de canciones: 12
Duración: 38:47
Género: Alternativo, pop punk
Discografía: Fueled by Ramen

Riot! se trata del segundo álbum del desconocido grupo Paramore. Publicaron su primer trabajo en 2005 llamado All We Know Is Falling. No contaron con mucho apoyo y el disco poseía unas canciones bastante parecidas entre si. Aun así creo que esta muy bien para ser el primer disco que sacan al mercado. En este segundo han ido más allá de forma que aun repitiendo la fórmula de sus anteriores canciones nos traen un álbum completamente nuevo y a la altura de cualquier otro grupo más consolidado de su género como pueden ser Fall Out Boy, Sum 41 o incluso los mismísimos Snow Patrol.

A pesar de que existen grandes cantidades de grupos con las mismas características musicales que Paramore como Billy Talent, The Fray o los nombrados anteriormente Paramore sobre sale frente a todos ellos. El hecho de que sea una chica la cantante distingue al grupo del resto, pues no es muy común una vocalista en esta clase de grupos. En este segundo trabajo encontramos la mayoría de las canciones del mismo estilo sobresaliendo entre estas la balada “We are broken” que trata sobre la ruptura de una pareja. Como bonus track encontramos la segunda balada del disco “Sunday, bloody Sunday” una reivindicación sobre el horrible mundo en el que vivimos. Mis dos canciones favoritas son, una de ellas "Misery bussiness" y la otra "That's what you get". La primera nos cuenta los celos que una chica siente por otra y la segunda nos habla sobre el dolor que se causa una pareja por amor. La gran mayoría de sus canciones nos hablan sobre relaciones amorosas contadas desde el punto de vista de la chica o del chico. Son canciones sencillas, con melodías simples y letras ligeras pero que aun así te atraen por la perfecta mezcla de instrumentos y la voz de Hayley Williams.

Para finalizar pienso que es un álbum magnífico a pesar de que la mayoría de estos grupos suenen todos de la misma forma, ya que aun siendo tan parecidos los estilos te sigue llamando la atención y te incita a escucharlo una y otra vez.

Le pongo una nota de 8,5.

A continuación podéis ver y escuchar el single “That's what you get”, cuarto sencillo del álbum.

CREPÚSCULO (Twilight, USA, 2008)

Stephenie Meyer siempre había fantaseado con convertirse en escritora pero nunca tuvo la suficiente inspiración o entusiasmo. Se casó y tuvo tres hijos convirtiéndose en un ama de casa. Tras despertarse un día después de haber soñado como una chica y un vampiro luchaban contra un amor imposible Stephenie escribió la novela en tan sólo tres meses. Desde su publicación en USA en octubre de 2005 Crepúsculo se ha convertido en un gran best-seller mundial siendo publicado en 34 países. Tras el éxito que obtuvo el libro se convirtió en una saga compuesta por Luna Nueva, Eclipse y Amanecer.

El argumento se centra en Bella una joven de diecisiete años que por una serie de circunstancias debe mudarse con su padre al pequeño y húmedo pueblo de Forks. Tanto el libro como la película están contados desde el punto de vista de Bella, de esta forma podemos encontrar momentos en la película en que la propia Bella con voz en off nos relata parte de la historia. En el libro encontramos realmente agradable cómo Bella nos cuenta su propia historia y nos muestra sus pensamientos siendo uno de los aspectos más atrayentes del libro. En cambio en la película no se llega a captar ese punto de vista y esa obsesión e inmenso amor que sentirá por Edward, el vampiro del que se enamorará, tan bien como en el libro. Comenzarán así un romance prohibido y peligroso. Ambos están completamente locos el uno por el otro pero deberán afrontar grandes situaciones como el deseo de Edward de beber la sangre de Bella o la aparición de un vampiro rastreador, James, cuyo único objetivo es acabar con Bella.

Para tratarse de un libro algo complejo en lo que se refiere a la historia de amor, la directora ha sabido capturar bastante bien ese peligro que existe constantemente en la relación de los protagonistas. El libro posee una extensión de aproximadamente quinientas páginas por lo que era imposible contar todo el libro. De esta forma vemos cómo la película va realmente rápida y cómo en cuestión de minutos Edward para de rechazar a Bella a ser una pareja inseparable. En la película se echan en falta más momentos de pareja entre el vampiro y la humana, mientras que en el libro se pasan más de la mitad sin separarse el uno del otro. Creo que es un aspecto negativo que baja considerablemente la calidad de la película, al igual que los diálogos. En primer lugar, se pierde la ironía y las pequeñas gracias que se podían leer en el libro. Es un gran fallo, ya que en libro se mostraba una relación entrañable mientras que en la película podemos una relación seria y formal. También podemos apreciar como magníficos e importantes diálogos que poseía el libro se han intentado llevar a la película perdiendo así el sentido de forma que en ocasiones cuesta realmente coger el sentido sin haberse leído el libro. Pero, por otro lado, esa falta de sentido se disimula por la excelente banda sonora, que incluye canciones de grandes grupos como Linkin Park, Muse o Paramote. A la vez la magnífica actuación de los actores te hace olvidar los pequeños errores que se puedan apreciar en el guión.

Como conclusión la película nos aporta una nueva intriga que en libro apenas observamos sobre el malvado vampiro James y nos emociona con la conmovedora actuación de los intérpretes tanto si eres fan de la saga como si no.

Crepúsculo: Un amor peligroso
Stephenie Meyer
Alfaguara
Madrid, 2006
512 páginas
15,95 euros

A simple vista esta historia puede parecer la típica historia de amor de adolescentes, y en cierta manera lo es: una chica nueva llega a un nuevo pueblo y se enamora del chico guapo. Pero… ¿entra en el estereotipo de primer amor que el chico se pase todo el libro queriendo comerse a la chica en cuestión, Bella?
La historia comienza cuando una joven se muda al pequeño pueblo de Forks donde al poco de llegar conocerá a Edward. Entre los dos surgirá una conexión inexplicable. Serían una pareja como cualquier otra si no fuera porque él es un vampiro y ella una frágil humana. El libro, narrado en primera persona por Bella, te introduce en su mundo y te hace sentir cada una de las emociones que siente. La trama es interesante desde principio a fin. Te mantiene la intriga de forma que no te imaginas lo que va a ocurrir. Sin duda, lo más interesante es la historia de amor entre la pareja protagonista. Ella daría lo que fuera por estar con él y él quiere estar lo más alejado de ella, pues se muere por beber su sangre. Su historia de amor prohibida nos recuerda a Romeo y Julieta de William Shakespeare. No tienes por qué ser una adolescente para que este libro te apasione. La historia está tan bien contada y es tan conmovedora que incluso mujeres de cuarenta años pueden disfrutar de ella. Es un libro esencial para conocer una auténtica historia de amor verdadero.
Le pongo una nota de 9.5 porque en algunos momentos Bella se emociona demasiado en sus pensamientos sobre Edward.